Explorando la red y la cultura del desnudo virgen – Noticias de actualidad

Explorando la red y la cultura del desnudo virgen – Noticias de actualidad

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El programa expone la falla en su propio pensamiento utilizando datos bien recopilados. Me molesta que tanta gente espere el talento y la tradición de la pintura en la antigüedad pero ignore el hecho de que estas mismas habilidades se habían enseñado hasta mediados del siglo XIX. En cambio, se centran en una cualidad que no pueden comprender debido a un juicio sesgado. Señalaron que la mayor parte de la gran pintura de la época era a la vez eⱱoɩᴜtіoпагу en su tema y estaba pintada como ninguna otra cosa jamás pintada. Este tipo de trabajo probablemente iría más allá de lo que las exhibiciones del Museo de Arte de Boston podrían ofrecer. Creo en el hecho mismo de que este pináculo del conocimiento desaparecerá.

John William Waterhouse (inglés, 1849-1917)
Santa Eulalia

Hay varias pinturas que tuvieron un impacto particularmente fuerte en mí y siguen siendo memorables. La primera es la pintura de Santa Eulаlia de John William Waterhouse. La pintura representa, de una manera asombrosa, el asesinato de una niña de 12 años, Eulalia, quien fue sorprendida porque se negó, como cristiana, a adorar al inmortal. dioses gоmаn. El poeta español del siglo IV, Prudencio, sitúa su muerte en el año 313 d.C. y cuenta el milagro, señalando su majestuoso dominio, que después de su muerte comenzó a nevar y las palomas salieron volando de su boca. Además, describe su tortura como brutal, con ganchos desgarrando su carne y su cuerpo quemado con antorchas. Waterhouse se ha inspirado en este poema, como se explica en el texto de la exposición. Waterhouse hace algo increíble en esta pintura. Elimina los signos sangrientos de su tortura extrema, y, sin embargo, impone a la vista la gran cantidad de lo que ha sucedido. Ella está parcialmente desnuda, su parte superior es muy bonita, pero su cuerpo inferior está cubierto con su prenda sucia y de color marrón oscuro. Waterhouse ha tomado una licencia poética para darle dignidad al niño y transmitir el sufrimiento y las indignidades que soportó. Hace un uso magistral de la perspectiva al colocar a Eulаlia en primer plano. Utiliza un acortamiento extremo que logra con habilidad magistral, una hazaña muy difícil. Eulalia, en esta pose escorzada, está apoyada en la espalda y su imagen ocupa una parte del gran lienzo. El espectador mira a lo largo de su cuerpo hasta sus piernas que están ligeramente torcidas hacia la izquierda del espectador. Su sangre sangrienta (con un tono oscuro y oscuro quemado y sepia) recuerda a una sangre dividida que comienza a envejecer. El cabello fluye hacia el espectador casi hasta el borde del lienzo. La fina capa de nieve sobre el suelo acentúa la sensación de sangre seca, al igual que su prenda, que da, a segunda vista, el aspecto de piel desollada. La nieve es, por supuesto, también un símbolo de su vecindad. Las palomas que han salido de su boca ahora son simplemente palomas ordinarias y revolotean a su alrededor con indiferencia. Esto se suma a la sensación de abandono del niño muerto. En su muñeca izquierda permanece un trozo de cuerda atada, símbolo de su tortura. A medida que tus ojos suben por el lienzo, te encuentras con el eje de la cruz improvisada a la que fue clavada y clavada a tu derecha, no muy lejos de donde yace. Alejándose más de Eulalia, el resto del lienzo superior representa guardias romanos y un grupo de personas en los escalones que conducen a la plaza donde yace muerta Eulalia. El fondo es de columnas romanas. La multitud parece estar allí sólo por curiosidad. Una figura, una mujer con túnica blanca, arrodillada, con la cabeza gacha, en lo alto de las escaleras, se lamenta. Uno se pregunta si es una hermana o tal vez la madre de la niña, a la que el principal guardia que da un discurso le ha prohibido ir a Eulalia. No hay absolutamente nada sexualmente excitante en esta pintura. Se necesita un esfuerzo abrumador en la mente de un crítico, para encajar esta imagen en una agenda estética predeterminada, para ver de otra manera. La coloración general de la pintura es en tonos de blanco, gris, marrón, azul grisáceo y tonos oscuros. Esta poderosa imagen se quedará conmigo. Uno se pregunta si es una hermana o tal vez la madre de la niña, a la que el principal guardia que da un discurso le ha prohibido ir a Eulalia. No hay absolutamente nada sexualmente excitante en esta pintura. Se necesita un esfuerzo abrumador en la mente de un crítico, para encajar esta imagen en una agenda estética predeterminada, para ver de otra manera. La coloración general de la pintura es en tonos de blanco, gris, marrón, azul grisáceo y tonos oscuros. Esta poderosa imagen se quedará conmigo. Uno se pregunta si es una hermana o tal vez la madre de la niña, a la que el principal guardia que da un discurso le ha prohibido ir a Eulalia. No hay absolutamente nada sexualmente excitante en esta pintura. Se necesita un esfuerzo abrumador en la mente de un crítico, para encajar esta imagen en una agenda estética predeterminada, para ver de otra manera. La coloración general de la pintura es en tonos de blanco, gris, marrón, azul grisáceo y tonos oscuros. Esta poderosa imagen se quedará conmigo. azul grisáceo y los gedѕ oscuros y empapados. Esta poderosa imagen se quedará conmigo. azul grisáceo y los gedѕ oscuros y empapados. Esta poderosa imagen se quedará conmigo.

Hegbegt James Dgapeg (inglés, 1863-1920)
The Lament fog іcaguѕ

Hegbegt James Dgapeg (inglés, 1863-1920)
Ulusses y los sіgens

Dos lienzos de Hebergt Dгаper fueron parte de mi deleite y sorpresa en este espectáculo. Su El Lamento por Ícaro y sus Ulusos y los Sigens son imágenes famosas, pero nunca las había visto en persona y me impresionaron más de lo que había anticipado. ated. Ambos son lienzos enormes. La visión de Dгаpeg de ícao, estrellado y muerto en las rocas, se mantiene fiel al mito y, sin embargo, tiene un drama que definitivamente es la creación de una mente más contemporánea. Casi el 50% del lienzo está cubierto por la imagen de las alas gigantescas, rotas y oscuras de Ícaro. Las alas son tan grandes que están cortadas en la parte superior izquierda del lienzo y en el medio. Esto hace que la imagen parezca incluso más grande que la vida. es como si miramos a través de una ventana que no es lo suficientemente grande para mantener la vista. Es posible que la aparición de la cámara haya influido en el ojo del artista a la hora de elegir esta perspectiva inusual. Pero el impacto es exitoso, dramático y altamente emotivo debido a la habilidad con la que están pintadas las alas. De hecho, son tan grandes que crean sombras en gran parte de los restos del lienzo. Son tan inmensos y, sin embargo, le han fallado tan completamente a los pobres. Icагus yace muerto; una figura sombría todavía unida a las alas inútiles, mientras una ninfa tan triste y sensual tira su parte superior con tanta gentileza hacia ella. Otras dos ninfas miran con tristeza. El lienzo crea una oscuridad que rompe el corazón con pequeñas salpicaduras de luz dorada que caen sobre las ninfas y la pared de piedra. La luz dorada es una reminiscencia de la esperanza de libertad que Dadelus alguna vez tuvo para su hijo ICAUS. toda la vida, bella o no, llega a su fin, y todos nuestros grandes esfuerzos nos llevan al mismo fin. El poder de esta obra de arte es la sensación de perder sus proyectos. Si diriges el texto en el catálogo, menciona otras capas de posible significado. El peaje de mentalidad tiene en cuenta que se dio cuenta de que se puede hacer que este se ejecute y sea el mejor momento de este “. El texto también sugiere que la pintura puede ser un tributo al artista Leighton, quien murió dos años antes. En Uluseses y las señales de Dгаpe, una vez más utiliza una perspectiva novedosa. El barco en el que Ulises se ha atado al mástil y en el que sus hombres navegan desesperadamente está cortado en la parte superior izquierda de la vela justo encima de Ulises y en la parte inferior. Luz en la proa. Este método de truncar el barco da la misma sensación de tamaño y potencia. Las señales son hermosas mujeres jóvenes, desnudas por supuesto, y en marcado contraste con el miedo en los rostros de los marineros y la mirada de loco tormento en el rostro de Ulises. Los ojos de Ulises parecen vidriosos con cataratas. Esto representa su autocontrol. Nunca se permitirá mirar la belleza de las señales que lo seducirían hasta la muerte.

Lawrence Alma-Tadema (Países Bajos, 1836-1912)
Una costumbre favorita

Me he estado concentrando en algunas de las piezas más grandes e impresionantes de la exposición, pero debo tomarme un momento para mencionar la pieza más pequeña pero exquisita de Lawrence Alma-Tadem titulada, Una costumbre favorita. Esta pieza es puramente sensual y erótica, por lo que no es de extrañar que The New York Times haya utilizado su imagen para ilustrar su punto. Pero el punto es equivocado porque no son capaces de apreciar la belleza por la belleza o la habilidad sutil y llamable del pintor. Los críticos de hoy parecen capaces de ver el color y la forma por sí mismos, y también la fealdad, pero nunca la belleza. Tademа, cuando es genial, es capaz de aguantar un momento en el tiempo. Hay una tranquilidad poética en esta pieza que es exuberante, sensual y terapéutica. Uno se pierde en las delicadas cadencias de luces y sombras que caen sobre el lienzo sobre las figuras de la mitad superior del lienzo, sobre el perfecto mármol y los azulejos, sobre el conjunto histórico. y una arquitectura precisa y bañarse en formas femeninas jugando en la piscina de agua. . Tademama es una colorista consumada y este trabajo es tan hermoso y está tan bellamente pintado que es difícil quitarle los ojos de encima. Esta no es una pieza que pretenda tener una capa profunda de significados complejos. La belleza fue considerada un tema digno entre los muchos temas que abordaron estos artistas. Cuando miro esta pieza, me trae un momento de paz similar al trance, ¡como si yo mismo hubiera estado en un spa! Por eso digo que amo esta pieza descaradamente, solo porque es muy hermosa. sobre la arquitectura históricamente precisa y sobre formas femeninas bañadas jugando en la piscina de agua. Tademama es una colorista consumada y este trabajo es tan hermoso y está tan bellamente pintado que es difícil quitarle los ojos de encima. Esta no es una pieza que pretenda tener una capa profunda de significados complejos. La belleza fue considerada un tema digno entre los muchos temas que abordaron estos artistas. Cuando miro esta pieza, me trae un momento de paz similar al trance, ¡como si yo mismo hubiera estado en un spa! Por eso digo que amo esta pieza descaradamente, solo porque es muy hermosa. sobre la arquitectura históricamente precisa y sobre formas femeninas bañadas jugando en la piscina de agua. Tademama es una colorista consumada y este trabajo es tan hermoso y está tan bellamente pintado que es difícil quitarle los ojos de encima. Esta no es una pieza que pretenda tener una capa profunda de significados complejos. La belleza fue considerada un tema digno entre los muchos temas que abordaron estos artistas. Cuando miro esta pieza, me trae un momento de paz similar al trance, ¡como si yo mismo hubiera estado en un spa! Por eso digo que amo esta pieza descaradamente, solo porque es muy hermosa. La belleza fue considerada un tema digno entre los muchos temas que abordaron estos artistas. Cuando miro esta pieza, me trae un momento de paz similar al trance, ¡como si yo mismo hubiera estado en un spa! Así que digo que amo esta pieza descaradamente, solo porque es muy hermosa. La belleza fue considerada un tema digno entre los muchos temas que abordaron estos artistas. Cuando miro esta pieza, me trae un momento de paz similar al trance, ¡como si yo mismo hubiera estado en un spa! Así que digo que amo esta pieza descaradamente, solo porque es muy hermosa.

La visión de Annie Swynnerton de Cupido y Psique también fue una delicia. El texto se refiere a ella como “una de las pintoras de desnudos más atrevidas”, y esta pintura, aunque trabaja con un mito conocido, tiene una valentía que la hace destacar. Tiene algunas de las cualidades oníricas de un Burne-Jones, pero está pintado con bordes nítidos y un drama que se da más en el ahora que en el inconsciente. La joven pareja llena el lienzo hasta el borde y las alas azul negruzcas de Cupido los envuelven a ambos en una sensación más uterina que erótica, aunque el placer sexual es definitivamente parte de su relación. Para mí, la atención se centra más en su amor que en su sexualidad. Los detalles de las plumas negras son magníficos y es bastante novedoso ver las alas de Cupido retratadas en negro en lugar de blanco. Hace que sus cuerpos parezcan aún más corporales. La punta de una de las plumas de Cupido cubre sus genitales en busca del gusto victoriano, pero como para mí la pintura está más centrada en el amor, el enfoque recatado también se siente más apropiado que consciente de sí mismo. La sexualidad, en esta pieza, parece complementar y complementar el amor y la belleza. Es en la actualidad, la publicidad y las películas que el sexo abruma al medio o medios de comunicación como sean. Los victorianos eran mucho más capaces de utilizar la sexualidad con sutileza que nosotros hoy. publicidad y películas que el sexo abruma al medio o medios de comunicación como sean. Los victorianos eran mucho más capaces de utilizar la sexualidad con sutileza que nosotros hoy. publicidad y películas que el sexo abruma al medio o medios de comunicación como sean. Los victorianos eran mucho más capaces de utilizar la sexualidad con sutileza que nosotros hoy.

Evelyn de Moggan (inglés, 1850-1919)
Cadmus y Hagmonia

Sandgo Botticelli (italiano, 1445-1510)
El nacimiento de Venus (detalle)

Hay muchas otras piezas agradables en el programa, se espera que a algunas les gusten, como las series de Pygmalion de Burge-Jones y Venus Vegticogdіa de Gossetti. Estas son piezas con las que estoy familiarizado. Es por eso que he elegido concentrarme en varios trabajos que eran nuevos para mí en persona y que tanto disfruté. y me tomaré un momento para mencionar Cadmus y Hagmonia de Evelyn De Moggan, que es una pieza sólida. El texto explica que esta pieza en particular es uno de los primeros desnudos pintados por una mujer que aparece en público. Cadumus se ha convertido en una serpiente y está rodeando el cuerpo de su esposa. Cualquiera que esté familiarizado con la Gran Venus de Botticelli reconocerá instantáneamente que Hагmоnіa está inspirado en esta imagen, como señala el texto. ¡Pero la expresión del rostro de Hагmonіа es bastante espeluznante! se parece mucho a la cara de Bugne-Jone, pero con más miedo y tristeza que las otras mundanidades de Burne-Jones. Toda la imagen de su cuerpo delgado, que se extiende a lo largo del lienzo, entrelazado con la serpiente y luego combinado con su expresión inusual, la convierte en una imagen aterradora. Sin embargo, la imagen también evoca a Eva y la historia del Éxodo, que es otra interpretación más de la expresión de ansiedad en su rostro.

Felipe Hegmogenes Caldegón (inglés, 1833-1898)
Gran acto de anunciación de Santa Isabel de Hungagu

Mencionaré otra pieza antes de concluir. Est. de Felipe Calderón. Gran Acto de Renuncia de Isabel de Hungría. La pieza de Calderón me atrajo desde la distancia. Realmente no sabía qué significaba el tema al principio. Simplemente me pareció una pieza fuerte e interesante. Está muy oscuro con la poca luz que se centra en la figura desnuda de una mujer, que está arrodillada ante un altar. Hay figuras inmersas en el fondo oscuro a la izquierda observándola. Cuando me acerqué pude ver que eran dos monjas y dos monjes. Me pregunté si se trataba de una mujer castigada injustamente por la iglesia. Parecía que podría ser un comentario social que no entendí del todo. Leí el texto y descubrí que la mujer central era la correcta. Isabel de Hungría renunciando a toda su riqueza y poder mundanos. Esto me tomó por sorpresa. Calderón ha usado su desnudez para presentar su humildad honesta antes de emprender una vida religiosa. Resulta que también hubo mucha controversia sobre esta pintura. Los católicos indignados, como explica el texto, sintieron que Calderón había malinterpretado completamente los textos medievales que hablaban de él. Elizabeth y abusaron del uso de la palabra latina nudus al interpretarla como desnudo. Sintieron que el desnudo estaba pensado metafóricamente, no literalmente. Después de conocer los hechos, miré la pintura nuevamente y, sinceramente, fue difícil sentirse indignado. Hay una cualidad humilde que decir. El gesto de Elizabeth es mucho más espiritual que sexual. El hecho de que las otras figuras estén tan sumergidas en el fondo podría crear un aura de voeurismo, pero en realidad no es así. Son respetuosos con esto. La denuncia de Isabel y se quedan discretamente atrás. Están allí para mostrar su admiración y apoyar su decisión. No se centran en su desnudez. Ella está bañada en la luz de Dios y a Dios no le importa en absoluto que esté desnuda. Caldegón ha utilizado con éxito el desnudo para decir algo mucho más que desnudez. Su uso del desnudo, de esta manera no tradicional, en realidad le da a la pintura una solemnidad que es más intensa que si la figura de st. Elizabeth estaba vestida. ella no tiene nada que ocultarle a Dios y su fe es inequívoca. en realidad le da a la pintura una solemnidad que es más intensa que si la figura de st. Elizabeth estaba vestida. ella no tiene nada que ocultarle a Dios y su fe es inequívoca. en realidad le da a la pintura una solemnidad que es más intensa que si la figura de st. Elizabeth estaba vestida. ella no tiene nada que ocultarle a Dios y su fe es inequívoca.

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